Arnold Schönberg a éclairé la nuit. nuit éclairée. Les premières années. Période tonale de créativité

Lors de concerts où la musique est jouée Arnold Schönberg et compositeurs nouvelle école viennoise, un public très remarquable se rassemble. Ce sont, en général, des gens assez sérieux, pour la plupart barbus et portant des lunettes, avec une empreinte persistante d'une pensée profonde sur le front. Ils essaient de se comporter avec gentillesse, mais ne sont pas très attentifs à leurs compagnons ou compagnons ou plutôt sont légèrement distraits. Voilà à quoi pourraient ressembler les scientifiques. Et c'est vrai ! Schoenberg est très apprécié des scientifiques, en particulier des mathématiciens. Voici une autre observation. Les musiciens qui jouent Schoenberg ressemblent exactement à leur public. La conclusion s'impose : pour jouer Schoenberg et comprendre son œuvre, il faut avoir une barbe, des lunettes et un esprit mathématique...
Entre les mathématiques et l’art musical, il existe cependant une sorte de lien inébranlable, probablement depuis l’époque Pythagoras. Gottfried Leibniz a exprimé une pensée similaire avec sa profondeur caractéristique, et d'une manière étonnamment succincte (pour un scientifique allemand) : "Les mathématiques sont la poésie de l'harmonie, qui s'est calculée elle-même, mais ne sait pas s'exprimer dans les images de l'âme."
Dans ses premières œuvres, y compris la dernière nocturne 19ème siècle "Nuit éclairée" (1899), Schoenberg adhère aux traditions du néo-romantisme européen. L'élaboration détaillée de courts personnages et motifs musicaux évoque des associations avec la technique de Richard Wagner ; l'expression profonde mais retenue révèle chez Schoenberg un admirateur de Gustav Mahler ; Des «voix» magistralement écrites, en mouvement constant et dirigées vers un seul objectif, caractérisent le compositeur comme un connaisseur de la polyphonie et un grand admirateur de l'art de J. S. Bach.
Cette musique de Schönberg n'a pas encore été qualifiée de « calculée ». Un système de composition spécifique atonal musique appelée dodécaphonie, le compositeur ne s'est développé que 20 ans plus tard. Ainsi fut créée une nouvelle école viennoise, à laquelle ils rejoignirent Anton Webern Et Alban Berg. Cependant, vingt ans plus tard, Schoenberg abandonna complètement son système. Pour le bien de ce qu'on appelle "Images de l'âme". "Arrive,- Jean Cocteau a noté, - qu'une personne, devenue de son plein gré le fondateur d'une école entière, y renonce soudain un beau jour ; Mais cela ne porte pas préjudice à l’école elle-même.»
Les recherches formelles de Schönberg et des compositeurs de la nouvelle école viennoise ont introduit dans l'arsenal de la culture musicale un outil de développement aussi puissant que dodécaphonie, ou équipement de série, et a eu une influence significative sur la musique européenne de la première moitié du XXe siècle, faisant écho dans les œuvres de Darius Milhaud, Igor Stravinsky, Dmitry Chostakovitch, Krzysztof Penderecki, Alfred Schnittke et de nombreux autres auteurs.

Les auditeurs de peu de villes dans le monde peuvent se vanter d'avoir assisté au cours d'une saison à trois concerts de chefs d'orchestre exceptionnels dédiés à leurs anniversaires (qui en eux-mêmes font déjà une impression stupéfiante). Sur la scène de la Grande Salle, derrière la console, se tenaient les professeurs de Yuri Temirkanov, Valery Gergiev, Vasily Sinaisky et toute une galaxie d'autres merveilleux chefs d'orchestre, Ilya Alexandrovich Musin, quatre-vingt-dix ans, et son premier élève, quatre-vingt-cinq ans. Ulysse Achillesovitch Dimitriadi, 1 an.

Le légendaire Carlo Maria Giulini a également célébré son quatre-vingtième anniversaire avec un concert dans cette salle. L'apparence aristocratique stricte du maestro, la direction par cœur, sans partition, l'habitude de se tenir sur scène au même niveau que l'orchestre, tout indiquait que les auditeurs avaient une rare opportunité de rencontrer le maître de la vieille école de direction européenne. Mais Giulini n’est en aucun cas une « relique de musée » ; les premières mesures de la Deuxième Symphonie nous en ont convaincu. Son geste clair, laconique, quelque peu retenu attire involontairement le regard, son principe puissant et volontaire subjugue à la fois les auditeurs et les membres de l'orchestre. Malheureusement, l'Orchestre Philharmonique traverse actuellement des moments difficiles - qui se sont fait sentir même ce soir-là. Le manque de cohérence, les solos inexpressifs et, surtout, la perte de la sonorité ancienne étaient particulièrement visibles dans la Quatrième de Brahms. Et pourtant, le concert a été l'un des plus marquants pour la première composition de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg cette saison. Le public a vigoureusement accueilli les musiciens et le maire reconnaissant de la ville est apparu à plusieurs reprises sur scène avec des offrandes - tantôt avec un énorme panier de fleurs, tantôt avec une figurine en bronze de la louve mythologique romaine nourrissant Romulus et Remus.

Un jour plus tôt, la même salle bondée avait été accueillie par l'orchestre de chambre "Moscow Soloists" de Yuri Bashmet, venu pour la première fois en tournée à Saint-Pétersbourg. Bashmet devient une légende vivante sous nos yeux. Peut-être jamais auparavant un altiste n’avait-il atteint une place aussi élevée dans la hiérarchie tacite du spectacle. Création d'orchestres, direction d'orchestre, direction artistique d'une émission de télévision, d'un festival, tout cela, semble-t-il, aurait dû influencer les qualités d'interprétation. Mais pas Bashmet, et les habitants de Saint-Pétersbourg en étaient convaincus en écoutant le Monologue pour alto et orchestre à cordes de Schnittke et le solo d’alto du Sixième Concerto brandebourgeois. Bashmet sait spiritualiser des structures musicales pures, les saturer d'un contenu émotionnel profond, sans jamais tomber dans l'excès. Cependant, il est difficile de parler de Bashmet le chef d’orchestre sous un aspect technique. Derrière le podium des Solistes de Moscou se cache un musicien brillant, doté d'un sens aigu de la forme et du style, mais surtout d'une personnalité exceptionnelle, qui influence l'orchestre et le public par sa seule présence. Les « solistes » se distinguent par une vaste culture d’ensemble, une formation particulière et, sur cette base, une liberté peut-être encore limitée.

Le véritable point culminant de la tournée de l'orchestre a été la "Nuit éclairée" de Schönberg, interprétée avec une clarté si claire qu'on avait parfois l'impression d'entendre cette œuvre célèbre pour la première fois. Au milieu des années quarante, Alexeï Remizov écrivait dans son journal ses sentiments à propos de la musique de Schönberg entendue à la radio : « une nouvelle combinaison de sons et un nouveau son... C'est une sensation : une explosion et un nouveau ciel ».

Les débuts de la jeune équipe à Saint-Pétersbourg ont été un grand événement. L'orchestre a également participé, avec l'Orchestre de chambre des jeunes Tchaïkovski, à un grand concert caritatif au profit du fonds du programme Virtuosi 2000, qui soutient les jeunes musiciens.

Croquis de beauté

Kandinsky et Schoenberg au Musée juif
Tout ce qui est créé par des gens sensés sera éclipsé par les créations des fous.
Platon
Musique éternelle... Si vous, chers lecteurs, tout comme moi, avez été captivés, capturés et remplis votre âme par les chefs-d'œuvre symphoniques spéciaux, passionnés et puissants d'Arnold Schoenberg dans leur impact sur l'auditeur, alors vous avez rejoint la musique qui est appelé éternel.
Cette nuit d'été, fille des nuits,
entendu par moi,
Tourmenté, trop oublié
les nuits d'amour,
Où est-ce que je dors - dans le présent ?
Ou est-ce que je flotte au-dessus de moi-même ?

Les lignes poétiques de David Shrayer-Petrov flottaient au-dessus de moi avec « Enlightened Night » de Schoenberg, un sextet à cordes romantique (on l'appelait même hyper-romantique), que j'ai entendu ici à New York dans l'une des immenses salles du Lincoln Center. Ce sextet, comme la plupart des œuvres de Schönberg, se distingue par une tension émotionnelle incroyable, une expression bouillonnante, provoquant un élan nerveux en réponse, comme pour nous assurer : l’amour, le dévouement, l’humanité triompheront encore du mal. Les images musicales du compositeur sont si puissantes qu'il semble que nous voyons comment ses amants, dans une nuit éclairée, ont des ailes et s'envolent et se précipitent parmi les étoiles.
« Le Grand Autrichien », comme on appelle Schönberg dans son pays natal, fut le découvreur de la musique atonale, l'un de ceux qui furent à l'avant-garde de la culture musicale renouvelée du XXe siècle, c'est-à-dire la musique moderne. C'est probablement précisément cela - l'inflexibilité devant les canons, le caractère révolutionnaire absolu de la pensée symphonique, et donc artistique, une véritable intelligence alliée à la plus haute décence - qui est devenu la base sur laquelle a été construit un bâtiment à l'architecture merveilleuse, non, plutôt un temple des nombreuses années d'amitié créative et humaine la plus forte de Schönberg avec le grand artiste russe, fondateur de l'art abstrait expressif, Vassily Kandinsky.
Il existe un très vieux proverbe russe : « Dieu sait qui il repousse » - aussi bien en amour qu'en amitié. C'est sûrement une puissance supérieure qui a amené Kandinsky le 2 janvier 1911 à la salle de concert de Munich, où il a entendu pour la première fois la musique de Schoenberg et s'est rendu compte qu'elle était inexplicablement en accord avec sa peinture, comme si les sons, s'étant matérialisés, prenaient de la couleur et s'étendaient sur eux. la toile, ou, à l’inverse, les images pittoresques, nées des pensées douloureuses de l’artiste, montaient vers le ciel avec les sons invitants de la musique du compositeur inspiré.
C'est ainsi qu'a eu lieu leur connaissance, qui a donné l'impulsion (« probablement clandestinement », a défini Kandinsky lui-même) à une amitié très étroite et à un dialogue intellectuel intéressant - de nombreuses années de correspondance entre les deux grands personnages. Si différent - un musicien et un peintre, un Russe et un Autrichien, un chrétien orthodoxe et un juif, et si semblables - des expérimentateurs courageux et audacieux, dédaigneux de l'opinion humaine et de la rumeur, indifférents au succès momentané et à l'argent, intrépides et persistants dans leur condamnations. Pour les vrais hommes, tant dans leur créativité que dans leur vie, le principe masculin était dominant. Ils ont créé des mondes parallèles : Schoenberg a fait exploser la musique tonale et a fui l'harmonie traditionnelle, Kandinsky a rejeté à la fois la perspective picturale et la présentation et la forme traditionnelles de l'image. Eux, le compositeur et l'artiste, non seulement se sont profondément compris, mais ont également soutenu, approuvé et souvent complété, voire même initié des percées révolutionnaires dans la créativité changeante et constamment renouvelée de chacun.
Il n’est donc pas surprenant que les historiens de l’art du Musée juif de New York (celui situé à l’angle de la 5e Avenue et de la 92e rue) aient combiné dans une seule exposition les destins et les créations croisées de ces deux grands hommes.
Si Schönberg « est tombé amoureux » de la musique lorsqu'il était enfant, a commencé à jouer, à composer et a montré très tôt son talent de symphoniste, tout aussi incroyablement tôt il « a avalé la baguette du chef d'orchestre » (comme on dit en plaisantant à propos des chefs d'orchestre doués), alors Kandinsky , comme Van Gogh et Gauguin, est arrivé à la peinture professionnelle à l'âge adulte, après trente ans, et sa tentation vers le modernisme n'était pas un désir juvénile de se tester, de pirater tout ce qui existe, mais un tournant conscient vers de nouvelles réalisations artistiques - vers la création de l'art abstrait, dont il a étayé l'existence non seulement par sa pratique picturale, mais aussi théoriquement.
Au fait, qu’est-ce que l’avant-garde ? Dans les beaux-arts et arts appliqués, la musique, le théâtre, l'architecture ? "Un tel phénomène historiquement spécifique dans le développement de la culture", définissent les encyclopédies, "dont le trait caractéristique est la découverte de nouveaux moyens, méthodes et formes de pensée artistique". On ne pourrait pas le dire plus clairement. Et bien sûr, le plus important, l’essentiel ici, était l’individualité créatrice, la capacité du maître, à travers sa méthode, sa manière artistique et son style, à exprimer les valeurs spirituelles, l’atmosphère spirituelle de son époque contemporaine. Parlant de la spiritualité, Kandinsky a souligné qu '«elle est associée à l'expression du monde intérieur de l'homme, qui se révèle le plus adéquatement sous des formes non objectives, puisque l'objectivité est un matérialisme vulgaire et sans esprit», et l'ère du nouvel art signifie son mouvement vers « le contre-nature, l’abstrait et la nature intérieure ».
En fait, les premières aquarelles « non figuratives » de Kandinsky, que nous voyons lors de l’exposition, sont devenues le point de départ de l’art abstrait. Puis, dans la deuxième décennie du XXe siècle, des motifs apocalyptiques et une prémonition de la fin du monde commencent à apparaître dans les peintures de l’artiste. N’était-ce pas une vision brillante des catastrophes futures – guerres sanglantes, révolutions, fascisme, époque du Goulag, mort de millions de personnes ? Comme ils sont éloquents, comme ils font appel à nos sentiments, comme ils mobilisent la volonté des chefs-d'œuvre de Kandinsky « L'Aquarelle à tache rouge », la lithographie « Orange », la célèbre « Composition II » avec ses symboles phalliques et la prédiction en texte ouvert : « Craignez les ennuis et la mort ! Ils arrivent! Et ses plus grandes œuvres en termes d'intensité tragique sont les compositions VI et VII. Leurs lignes se déplacent le long de la surface de la toile selon des courbes douces, interagissent, se heurtent, changent de direction, se brisent ou se croisent et forment certaines combinaisons. Les taches et les lignes agissent comme des êtres vivants, qui valorisent et révèlent l'essence intérieure et l'expressivité de l'événement, acquérant le caractère d'universalité, et cette tragédie contient non seulement des éléments de purification, mais aussi le développement harmonieux de contradictions apparemment insolubles. C'est le génie de Vassily Kandinsky, qui a réussi à créer une réalité absolument nouvelle, dans laquelle nous pouvons ressentir tout le monde spirituel complexe de notre contemporain, rempli de grands bouleversements, et le chœur des couleurs dans sa musique colorée, un chœur composé de nombreuses voix, semble puissant et excité.
Mais Schoenberg a également écrit une musique précisément multicolore, seules les armes de Kandinsky étaient la ligne et la couleur, et celles de Schoenberg étaient le son. Et l’orientation idéologique est également la même : le mal arrive, mais le bien l’emportera. Il est intéressant de noter que tant dans l’Allemagne fasciste que dans l’Union soviétique, les peintures de Kandinsky, comme celles de Schoenberg, étaient classées comme art dégénéré, calomniées et interdites, n’étaient ni exposées ni jouées. En conséquence, nous ne les connaissions pratiquement pas, donc tout ce que nous verrons et entendrons au Musée juif sera nouveau pour nous, et en particulier les peintures de Schönberg.
Ce fut pour moi une véritable découverte que le grand compositeur Arnold Schoenberg était aussi un artiste original très intéressant. En réalité, le monde de l’âme humaine est inépuisable.
Le merveilleux poète Viktor Urin a les lignes suivantes :

Des vitesses imprévisibles bouillonnent :
distances de l'alliage à la désintégration,
les distances entre « devrait » et
"Pas besoin",
distance de lèvres en lèvres,
distances de la foi à la non-croyance.
Et gagner nous tourmente de perte,
si je fais semblant d'être large
souriant -
Nous devenons de plus en plus sombres.
Les deux amis avaient de nombreuses raisons de devenir profondément sombres : deux guerres mondiales meurtrières, et dans les années qui les séparaient aussi, apportant la mort et l'horreur - les révolutions, la faim, le froid, la course aux hauteurs béantes en Russie, le nazisme en Allemagne, l'Anschluss en L'Autriche. Tous deux ont dû quitter leur pays d'origine : Kandinsky - la Russie (en 1921 pour toujours), Schoenberg - pour fuir vers les USA. Tous deux ont eu du mal avec tout cela. Et il n'y avait pas d'harmonie dans leur vie personnelle, même si, encore une fois, tous deux étaient de nature monogame, mais le destin en a décidé autrement. Le mariage tardif de Kandinsky fut un véritable malheur, impliqué dans l'absurdité, l'avidité, la stupidité et l'infidélité de sa femme, qu'il aimait douloureusement et fortement, même s'il connaissait sa valeur. Et Schönberg aimait follement sa Mathilde, même lorsqu'elle le quitta pour l'artiste Richard Herzl, abandonnant ses deux enfants. Puis, comme si de rien n’était, elle revint. Et il a accepté, il était seulement bouleversé par le suicide de Herzl. Seigneur, quelles passions faisaient rage, quelles femmes - Matilda Schoenberg, Alma Mahler, qui a trompé imprudemment son mari Gustav, un autre grand compositeur et chef d'orchestre autrichien, ainsi que son amant, le grand artiste Oskar Kokoschka. Ainsi, le titre « grand » ne vous sauve pas de l'aversion et de la trahison.
À la mort de Mathilde (elle n’avait pas encore quarante ans), Schönberg écrivit sa célèbre symphonique « En attendant » et Kandinsky répondit par un crescendo coloristique. Non, le compositeur n'a fait son deuil qu'à la fin de ses jours ; après un certain temps, il s'est remarié. De plus, la bisexualité envahit sa vie : Alban Berg, puis d'autres jeunes musiciens remplissent sa vie et apparaissent sur ses toiles. Mais ce qui est le plus intéressant, à mon avis, dans les peintures de Schönberg, c’est une série d’autoportraits. Comme un calendrier de sa vie. Qui peut parler de lui-même de manière plus complète, plus profonde et plus impitoyable que l'artiste lui-même, et Schoenberg avait deux voies, deux possibilités : sa musique et ses peintures. Il a répété « En attente » sur la toile. Et son autoportrait le plus significatif et le plus tragique était et reste ce portrait en pied, où il marche le long d'une route sans fin et ennuyeuse, et nous, ne voyant que son dos voûté, comprenons : c'est un chemin qui ne mène nulle part. Le plastique est incroyable.
Et encore un tableau qu’on ne peut s’empêcher de mentionner : « Red Look ». Cauchemar. Un portrait du fascisme apparu deux décennies plus tard. Prophétie d'un génie ?
La publication de l’almanach « Le Cavalier Bleu » était une idée de Kandinsky. Dans ce magazine, lui et ses associés incarnaient tout le spectre des émotions, des désirs et des visions du monde et de l'homme qui faisaient rage dans leur cerveau et leur cœur. Il s'agissait de textes littéraires et musicaux, de dessins, de lithographies et d'articles politiques. L'almanach a également donné son nom à l'association artistique d'artistes d'avant-garde et adeptes de l'expressionnisme naissant. Ses participants étaient Mark Kandinsky, Klee, Macke... Schoenberg était également impliqué. L’importance de l’unification dans le développement de l’art du XXe siècle ne peut guère être surestimée. L'exposition, intitulée : « Kandinsky, Schoenberg et le Cavalier Bleu », présente les œuvres des artistes du « Cavalier » (ils étaient 14) : Franz Marc (sa célèbre « Vache jaune »), Gabrielle Munter, Robert Delano, Albert Bloch, Henri Rousseau, David Burliuk... Comme vous pouvez le constater, un internationaliste qui a publié l'un des manifestes modernistes les plus bruyants de l'almanach.
Bien entendu, l’accusation d’antisémitisme contre Kandinsky, dont les propos ont été déformés par Alma Mahler, était une calomnie, que Schönberg a niée avec colère, et Kandinsky lui-même a été profondément offensé. "C'est impossible!" - il a dit.
Malheureusement, l’amitié des deux grands n’a pas résisté à l’épreuve de la vieillesse. En 1936, Kandinsky écrit sa dernière lettre à Schönberg.
"La spiritualité depuis les racines." C'est ce qu'a dit Oskar Kokoschka à propos du travail de chacun d'eux. Nous en sommes convaincus en prenant connaissance de leurs œuvres.
Vous pouvez vous rendre au Musée juif en métro 4, 5, 6 jusqu'à l'arrêt « 86 Street ». Le jeudi après 17 heures, l'entrée est gratuite.
À propos, vous verrez également la superbe installation télévisée « Waiting » de Dara Birnbaum, inspirée de Schoenberg. Le 7 décembre à l'Alice Tully Hall du Lincoln Center à 17 heures, vous pourrez assister à un concert au cours duquel sera jouée "Enlightened Night" de Schoenberg, et le 16 décembre à 8h00, le 20 décembre à 13h30 et le 23 décembre à A 19h30 au Metropolitan Opera", sera présenté l'unique opéra d'Arnold Schoenberg "Moïse et Aaron".

"Verklärte Nacht" ("Nuit éclairée"), op. 4 (1899) d'Arnold Schoenberg, interprété par l'Artiste du peuple de Russie, le chef d'orchestre Wolf Gorelik et l'Orchestre GAMT. Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko. Le concert a eu lieu le 26 juillet 2011.

Tannhäuser : Écoutez ce merveilleux Sextet, écrit par le compositeur avant même d'avoir inventé le fameux système dodécaphone. C'est-à-dire dans un format tout à fait « classique ». Ci-dessous, je cite le texte de http://intoclassics.net, qui vous aidera mieux comprendre l'œuvre du remarquable compositeur, professeur, musicologue et chef d'orchestre autrichien et américain.

Le sextet « La Nuit éclairée », écrit en 1899 sur le poème « La femme et le monde » de Richard Demel, poursuit clairement la lignée du romantisme tardif. Les sources littéraires du Sextet contiennent des sujets typiques de l'époque romantique : une femme et un homme ; Nuit au clair de lune ; savourez la beauté de la nature.

La composition du Sextet est intéressante. Formellement, le compositeur écrit une sonate Allegro. Mais en même temps, il suit le contenu du texte en détail, autorisant parfois des écarts très importants par rapport au schéma. Le même schématisme interne apparaîtra plus tard chez Schoenberg et dans ses compositions dodécaphoniques. Richard Dehmel a écrit à Schoenberg qu'en écoutant « La Nuit éclairée » en concert, il avait essayé de suivre les motifs de son texte, mais l'avait vite oublié, étant enchanté par la musique.
Les origines de la musique de Schoenberg se trouvent dans l'art romantique tardif de R. Wagner, A. Bruckner, R. Strauss et G. Mahler. De telles influences sont si évidentes que les critiques négligent souvent trois autres qualités importantes du style de Schoenberg qui sont antithétiques à la tradition romantique. Premièrement, les derniers romantiques développaient leur pensée musicale dans un tissu harmonique dense et riche, tandis que Schönberg, à l'exception de quelques œuvres de jeunesse (par exemple, Gurrelieder, pour solistes, trois chœurs et orchestre, 1910-1911), préférait une conception laconique. présentation de l'idée, sans répétition inutile, et une texture claire et clairement audible. Deuxièmement, Schoenberg avait une façon de penser positive, et c'est pourquoi même ses œuvres les plus romantiques (comme le premier sextuor Enlightened Night, Verklarte Nacht, op. 4) se distinguent par leur développement logique et leur clarté structurelle. Troisièmement, la technique polyphonique de Schoenberg se caractérise par la confiance et la virtuosité, ce qui le rapproche non pas des romantiques mentionnés ci-dessus, mais plutôt de J. Brahms.